Вся бібліотека >>>

Зміст розділу >>>

 


ЖИВОПИС


 

Життя і Творчість Ван Гога

 

Туманова Є.Є.

 

Вінсент Ван Гог

 

 

                      Винсент Ван Гог

Автопортрет перед Мольбертом 1888 р.

 

 

 

Великий Голландський художник

 

Вінсент Ван Гог, так само як і Рембрандт, був голландець. Ось перший зовнішній факт, випадковість біографії, який, однак, відразу набуває не випадкове значення і дає нам в руки ключ до дверей його життя. Ще Іполит Тен, а за ним і інші соціологи вказують на причинний залежність мистецтва від навколишнього матеріального середовища. Але в їх декілька механічне пояснення мистецтва повинна бути внесена одна поправка: не завжди причинний зв'язок між людським духом і зовнішнім середовищем буває прямий - іноді вона буває зворотним. Є геніальні художники, які втілюють веління свого часу і свого народу,- такі були майстри Греції і Ренесансу; але є і інші генії, які можуть бути зрозумілі лише як заперечники даного середовища. Їх життя і творчість випливають з даної середовища в тому сенсі, що є реакцією проти неї. Таким протестом проти здорового сенсу свого часу була поява Рембрандта, особливо друга половина його творчості, починаючи з "Нічного дозору", коли виросла прірва між ним і його замовниками-бюргерами. Таким же уособленям протестом проти филистерского духа Голландії є життя і творчість Ван Гога.

Для імпресіоністів одним з головних об'єктів відображення був чоловік. Його образ інтерпретувався таким чином, що він затверджував себе у боротьбі з навколишнім його середовищем і самим собою болісно, тяжко, до межі напружуючи свої внутрішні сили. Ця сторона в мистецтві постімпресіоністів найкраще видно в творчість Вінсента Ван Гога.

Вінсент Ван Гог (1853 - 1890) вважається великим голландським художником, який справив дуже сильне вплив на імпресіонізм в мистецтві. Його твори, створені у десятирічний період, вражають своїм кольором, недбалістю і шорсткістю мазка, образами змученого стражданнями душевнохворого, який покінчив життя самогубством.

Вінсент Ван Гог народився в 1853 році в Голландії. Його назвали в честь померлого брата, народженого за рік до нього в той самий день. Тому йому завжди здавалося, що він замінює когось іншого. Боязкість, сором'язливість, занадто чутлива натура віддалила його від його однокласників, і єдиним другом для нього став його старший брат Тео, з яким ще в дитинстві вони поклялися не розлучатися. Вінсенту було 27, коли він нарешті зрозумів, що жадає стати художником. "Не можу висловити, як я щасливий, що знову став малювати. Я часто думав про це, але вважав, що малювання вище моїх можливостей". Так Вінсент писав братові.

Практично Ван Гог був самоучкою, хоча й користувався радами А. Мауве. Але в ще більшій мірі, ніж рекомендації сучасного голландського живописця, у формуванні Ван Гога відіграло знайомство з творами та репродукціями Рембрандта, Делакура, Дом'є і Мілле. Саму живопис, до якої він звернувся, перепробувавши різні професії (продавець салоні, вчитель, проповідник), він розумів як щось, що несе народу вже не слово проповіді, а художній образ.

Одна з відомих картин Ван Гога - "Їдці картоплі".

 

              Едоки картофеля

“Їдці картоплі",1885 р.

 

У темному похмурому приміщенні сидять за столом п'ять осіб: двоє чоловіків, дві жінки і видима зі спини дівчинка. Звисаюча зверху гасова лампа освітлює худі, стомлені обличчя і великі натруджені руки. Убога трапеза селян - тарілка з вареною картоплею і рідкий кави. В образах людей поєднується монументальна велич і співчуття, що живе в широко відкритих очах, напружено підійнятих трикутниках брів, зморшках, ясно читаються навіть на молодих обличчях.

 

Життя і творчість у Франції

 

У 1886 році Вінсент приїжджає в Париж і відтепер ніколи вже більше не повертається на батьківщину... Голландець за національністю Ван Гог приїхав у Францію сформованим художником, що зображувало людей і природу своєї батьківщини.

Приїзд в Париж вносить у творчість Ван Гога істотні корективи, не змінюючи його основної суті. Художник, як і раніше виконано співчуття і любові до маленької людини, але ця людина вже інший - мешканець французької столиці, сам художник.

Зміна стилю Ван Гога певною мірою було продиктована зміною його світоглядної позиції. В самому загальному вигляді його погляд на світ у той час можна вважати більш радісним, світлим, ніж у Голландії. Ця сторона його творчості особливо добре розкривається в пейзажах і натюрмортах. Ставши пристрасним прихильником пленеру, він вештається по Парижу, зображує куточки Монмартра, берега і мости Сени, народні театри і відчуває себе справжнім французом. “Ми працюємо всі разом над французьким Відродженням - тут я б на батьківщині",- пише Ван Гог. І дійсно, відтепер його творчість належить Франції і людству; він стає соратником імпресіоністів, поділяє їх негаразди, сприяє їхньому успіху...

Але полум'яної натурі Ван Гога чужа була серединность; усім, за що він не брався, він йшов до кінця. Шукання світла і повітря, захоплення технікою Сірка (дивизионизмом) не могли не запалити в ній бажання кинути сірий Париж і виїхати на південь. Йому стало тісно в столиці, і південь малюється йому тієї обітованою землею, де тільки й можна «відтепер організувати ательє майбутнього», де тільки і може розвернутися талант художника. І ось в 1888 році він переселяється в Арль, містечко Провансу.

 

Новий період творчості - містечко Провансу.

 

Тут починається новий період творчості Ван Гога. Перше враження не обмануло його. Прованс здався йому “за своєю радісною мірою фарб країною настільки ж чудовою, як Японія", і він шкодує лише про те, що не потрапив сюди в молодості... "Радісна гра фарб" - як несподівані ці слова мовою Ван Гога, недавнього аскета,- в них вилилося все його нове ставлення до світу, відношення живописця. Нове і разом з тим старе, бо природу він любив ще з дитинства. Але в Голландії він любив лише її тихий смуток, тут же, серед південного пишноти, він вперше замилувався яскравістю фарб, ярью сонця. Тут вперше відчув він, що не може не бути відмінності між ним і його великим учителем, Рембрандтом. “Рембрандт писав світлотінню, ми пишемо фарбами",- говорить він в одному листі, формулюючи цей переворот, що стався з ним на півдні. Рембрандт бачив у світі, насамперед контраст світла і тіні, для Ван Гога світ - перш за все свято кольору, гра фарб.

Техніка живопису взагалі грає в нашу епоху набагато, більшу роль, ніж раніше. Коли ми дивимося на картину старого майстра, ми, в сутності, забуваємо про техніку, про манеру мазка - до такої міри врівноважені в ній форма і зміст, почуття та інтелект, об'єктивне і суб'єктивне. Але - на жаль! - сучасна людина далекий від цього класичного рівноваги духу, і ось чому в сучасній картині ми, перш за все, помічаємо суб'єктивний підхід художника до того чи іншого об'єкту. А техніка, за справедливим зауваженням Пюві де Шаванна, і є не що інше, як темперамент художника, ступінь інтенсивності його світосприйняття. Є художники-реалісти, які з такою покірною пасивністю сприймають світ що, ми забуваємо про їх людської особистості і тільки кажемо: “Як живо написаний цей самовар або червоний комод - він зовсім як справжній". Але є і інші художники, з невгамовною і непокірної душею, які не можуть приховати за матерією зображуваного предмета самого темпу свого переживання. Дивлячись на їх картину, ми бачимо, перш за все, не те, що зображено, а те, як зображено, ми як би соучаствуем в самому процесі їх творчості, хвилюємося і поспішаємо разом з ними. У таких художників-індивідуалістів техніка займає величезне місце, але разом з тим вона вже перестає бути технікою в звичайному сенсі цього слова, тобто чимось зовнішнім і ремісничим.

Саме такий Ван Гог. "Впорядкований мазок" йому здається "настільки ж неможливим, як фехтування при штурмі". Він воістину імпресіоніст, в найглибшому сенсі цього слова, імпресіоніст більше, ніж всі інші, кого ми звикли так називати, бо він змінює свою техніку по кілька разів навіть в межах однієї і тієї ж картини, згідно кожному даному враженню. Кожен предмет вражає його по-різному, і кожен раз інакше вібрують струни його душі, а рука поспішає записати ці внутрішні ноти. Він працює то пензлем то ножем, рідко прописуючи, густо ліплячи фарбами, кидаючи мазки то вздовж, то впоперек. Він працює завжди відразу, по першому враженню, якомусь миттєвому екстазі, і здається, що картина виривається з-під його кисті, як крик захвату перед природою або жалю до людини. У самому темпі його мазків завжди відчуваєш ритмічне наростання або зниження цього крику, відчуваєш горіння його душі.

Сам вічно кипучий, невгамовний, він бачить у світі, перш все, вічно дієве початок. Його світ в постійному кругообігу, зростанні, становленні. Він сприймає предмети не як тіла, але як явища. Це не значить, що він зображує який-небудь один, на лету схоплений мить природи, подібно Клоду Моне. Ні, він зображує не одну мить, але безперервність мігів, лейтмотив кожного предмета - динамічне його буття. Ось чому кожен його етюд з натури перевершує випадкове спостереження, піднімаючись до споглядання абстрактного, до космічного видовища. Він художник світових ритмів. Він пише не даний ефект призахідного сонця, але те, як сонце заходить взагалі, посилаючи стріли променів, що розбігаються розносилося по полотну, чи як воно виникає з золотого туману, сгущающегося концентричними колами.

Він зображував не ефект дерева, випадково согбенного вітром, але найбільший ріст дерева з землі, зростання гілок з дерева. Його кипариси здаються готичними храмами, що рвуться до неба стрілчастими баченнями. Скорчені від південного спека, вони підносяться, звиваючись, немов самі величезні взвихренные мови зеленого полум'я, а якщо це кущі - вони горять на землі, як багаття. Його гірські кряжі дійсно згинаються, точно утворюючись на наших очах первісного геологічного хаосу... Його дороги, грядки і борозни полів дійсно тікають вдалину, і його мазки дійсно стеляться, як килим трави, або йдуть вгору по горбах. Все це, звучить лише словесним обігом у нас з вами, живе і рухається, і відходить у Ван Гога. І його космос, його пейзажі охоплені вічним пожежею, як і він сам, і як дим скупчуються у них хмари.

 

Ван Гог портретист.

 

Динамічна манера Ван Гога з'ясовується ще наочніше в його дивовижних малюнках, зроблених пером з тростини, які він накидав з японської віртуозністю і щедро розсипав у своїх листах, ілюструючи думки. Він хотів так само швидко малювати, як писав, і дійсно, в цих штрихах і точках автограф його генія. Я не знаю ні одного з графіків сучасності, який володів би такою впевненістю лінії, такий силою навіювання, таким лаконізмом малюнка. Його начерки пером - якісь пульсограммы світу, графічні символи світового життя. Ось дерево, убегающее вгору завитками ліній, нот стоги, які утворюються з спіралей, і трава, що росте вертикально, і дахи, йдуть черепицями вгору, або разлохмаченные гілки, зростаючі туди і сюди...

Ось портрет листоношу з Арля. Як самовдоволено зачесане штрихами його баки, як радісно світяться на тлі шпалерні квіточки!

 

                 ван гог

«Портрет листоноші з Арли», 1889 р.

 

В одному з листів Ван Гог пише про нього, що цей пан дуже задоволений і гордий, так як він тільки що став щасливим батьком.

Ось «Berceuse» - рибальське нянька, яку, за рибальським повір'ями, часто бачиш в ночі перед човном, в годину негоди,- вона веселить тоді казками.

 

 

                Рыбацкая нянька

«Рибальське нянька»,1888 р.

 

І дійсно, як багато міцних казок, грубих і яскравих, повинна знати ця жінка казок, подібних цим лубочним розквітаючим узорам на тлі! Цю картину Ван Гог збирався віддати в Сен-Марі - притулок для моряків...

А ось і знову щось протилежне: автопортрет самого Ван Гога, мазки якого подібні обнажившимся нервах. Тут вже не зовнішнє схожість, не маска особи, але сама напружена і розкрита душа...

 

 

 

ван Гог

«Автопортрет», вересень 1889 р.

 

Але ще більшим фактом виразності у Ван Гога, ніж його техніка, є колорит. Він виявляє характерне в людині не тільки утрировкой малюнка, але і символікою фарб. “Я хочу зробити портрет мого друга, художника, якому маряться дивні сни,- пише він в листі до брата.- Я хотів би вкласти в цей портрет всю мою любов до нього і зовсім довільно вибираю фарби. Я утрирую світлий тон його волосся до ступеня помаранчевого кольору. Потім, у вигляді фону, замість того щоб зобразити банальну стіну убогій квартири, я напишу нескінченність,- самий інтенсивний синій тон, який тільки є на моїй панелі. Завдяки цій комбінації золотиста голова на синьому фоні буде здаватися зіркою в глибокій синяві неба.

Точно так само чиню я, і в портреті селянина, уявляючи собі цю людину при полуденному сонці, в розпал жнив. Звідси ці помаранчеві відблиски, блискучі як розпечене залізо; звідси цей тон старого золота, палаючого в пітьмі... Ах, мій милий, багато побачать у цьому перебільшенні карикатуру, але що мені до цього! "

Таким чином, на противагу більшості портретистів, які думають, що схожість вичерпується особою, фарби фону були для Ван Гога не випадковим прикрасою, але таким же фактором виразності, як і малюнок. Його "Рибальське нянька" вся написана звучними лубочно-квітчастими кольорами. Одна з його арлезианок, напевно злісна провінційна пліткарка, витримана в чорно-синьому, як вороняче крило, і тому ще більш схожа на каркающую птицю. Так кожен колір мав в очах Ван Гога свій виразно-лаконічний сенс, був для нього символом душевного переживання, викликав у нього аналогією. Він не тільки любив багато барвистість світу, але і читав слова цілого таємного мови.

Але з усіх фарб-слів його найбільше чаровали дві: жовта і синя. Жовта мажорна гама-від ніжно-лимонної і до, дзвінко-помаранчевої, була для нього символом сонця, житнього колосся, благовістом християнської любові. Він любив її.

 

Людська душа..., а не собори.

 

Звернемося до Ван Гога: “Я волію писати очі людей, а не собори... людська душа, нехай навіть душа нещасного жебрака або вуличної дівчата, на мій погляд, набагато цікавіше". “Хто пише селянську життя, краще витримають випробування часом, ніж виробники написаних у Парижі кардинальних прийомів і гаремів". “Я залишуся самим собою, і навіть в сирих творах буду говорити суворі, грубі, але правдиві речі". “Робочий проти буржуя - це так не добре обгрунтовано, як сто років тому третє стан проти решти двох".

Міг чоловік, який в цих і в тисячі подібних висловлювань так пояснив сенс життя і мистецтва, розраховувати на успіх у “сильних світу цього? ". Буржуазна середовище исторгала Ван Гога. Проти неприйняття у Ван Гога було єдине зброю - впевненість у правильності обраного шляхи і робота. “Мистецтво - це боротьба... краще нічого не робити, ніж висловлювати себе слабо". "Треба працювати, як кілька негрів". Навіть напівголодне існування у нього звернуто стимул до творчості: “В суворих випробуваннях злиднів вчишся дивитися на речі зовсім іншими очима".

Буржуазна публіка не прощає новаторства, а Ван Гог був новатором в самому прямому і справжньому сенсі цього слова. Його прочитання піднесеного і прекрасного йшло через розуміння внутрішньої суті предметів і явищ: від, нікчемних як рвані черевики, до нищівних космічних ураганів. Вміння подати ці, здавалося б, незіставні величини однаково величезному художньому масштабі поставило Ван Гога не тільки поза офіційною естетичної концепції художників академічного напряму, але і змусило його вийти за рамки імпресіоністичного живопису.

 

Ван Гог - постимпессионист.

 

На початку 20 ст. занадто прямолінійне протиставлення мистецтва Ван Гога (рівно як Сезанна, Гогена і Тулус - Лоттрека) імпресіоністичної практики призвело до створення нового терміна - "постімпресіонізм". Умовність його очевидна. Взаємини між двома поколіннями митців були значно складніше і ширше звичайної полеміки змінюють один одного напрями. При всій удаваній непорівнянності творів, створених від Ренесансу на імпресіонізм включно, європейська живопис грунтувалася на системі, в основі якої лежав принцип "бачу-зображую".

В імпресіонізмі він досяг особливо повного розвитку, що проявився в дивовижній природності і різноманітті фіксуються художником значних враження. У нескінченній зміні світлових і повітряних нарядів природи імпресіоністи побачили прекрасний лик її вічного оновлення.

Але культ безпосереднього враження таїв у собі і щось таке, що зробило систему візуального сприйняття жорсткою і обмеженою. У нестримній гонитві за плинним і неслухняним миттю непомітно і сам об'єкт спостереження перемістився на другий план, внаслідок чого художній образ в цілому виявився непоправно збідненим.

Постімпресіоністи і Ван Гог, зокрема, запропонували принципово інший метод, метод синтезування спостережень і знань, аналіз внутрішньої структури речей і явищ, що відкрило шлях до укрупнення масштабу образів, розширило пізнавальні можливості мистецтва. “Я бачу у всій природі, наприклад у деревах, вираження і, так би мовити, душу". Ці слова - ключ до прочитання Вангоговской трактування художнього образу. В основі її лежить злиття двох начал: перше з яких, відноситься до всього що пов'язано з роботою над натурою, а друге визначається творчим імпульсом самого художника, що дозволяє йому бачити реальність в більш яскравому і перетвореному вигляді.

Одного разу Ван Гог порівняв академічну живопис з руйнівною коханкою, яка “...леденит тебе, смокче твою кров, перетворює тебе на камінь ...Пішли цю коханку під три чорти, - каже він, - і без пам'яті закохайся в свою справжню кохану - Даму Натуру або Реальність". Цю "Даму" він зворушливо любив все життя, відкидаючи будь посягання на своє почуття. Гоген, який закликав його до роботи з уяві, даремно терпів час. Ніяка сила не могла змусити Ван Гога відірвати мистецтво від життя. Але любов до "Дамі Реальності" зовсім не була чужий, сліпий. Натуралістів зневажав Ван Гог, ще більш "фантазерів". В очах Ван Гога робота з натури є "приборкання норовливої". Колись люди вірили в земну твердь, а згодом з'ясувалося, що земля-то кругла...Можливо, проте, життя також кругла і у багато разів перевершує своєю протяжністю і властивостями ту криву, яка нам зараз відома". Заради того, щоб пізнати цю протяжність, Ван Гог зірвав з неї мішуру банальної повсякдення і виявив істину у всій її наготі. Але витяг істини не мислимо без змінює творчого імпульсу самого художника, концентрує в ньому весь свій розум і почуття. Без цього неможливо, перетворити "їдців картопля" свідчать за всіх "принижених і ображених", змусити стоптані, драні черевики кричати про мучеників злиднів. Органічне злиття "світу видимого" і "світу сущого" і є “...щось нове, ...найвище в мистецтві, де найчастіше мистецтво стоїть вище природи". Вище в тому сенсі, в якому картини Ван Гога вище і правдивей видимої правди.

Найважливіша ланка образної системи Вангоговского мистецтва - натхненність і очеловеченность. Будь-який елемент світобудови в його очах значний і прекрасний тільки тоді, коли знаходить здатність відчувати: у Ван Гога страждають навіть камені. Людське сприйняття - призма, переломлює все суще. “Мені хотілося б зробити все так, як все це бачить ... і відчуває залізничний сторож". У понівечених старих ветлах біля дороги Ван Гогу бачиться щось спільне з процесією людей похилого віку з богадільні, а розкрита книга, палаюча свічка і потерте крісло трансформується у нього в "портрет", покинув їх власника. ("Крісло Гогена").

Будь-який компонент природи Ван Гог змушує бути камертоном своїх емоцій інтелекту. Природа дарує йому не лише мотиви, а й стає для нього моральною опорою, джерелом моральної сили. Ще Мілле говорив: "Терпінню можна навчитися у що проростає зерна". Ван Гог розуміє це по-своєму: “У кожному здоровому і нормальному людині живе те ж прагнення визріти, що і в зерні, отже, життя є процес визрівання. Тим же, чим для зерна є прагнення визріти, для нас є любов". В цьому і полягає головний нерв Вангоговского розуміння світу і естетики: бути закоханим в людяність! У Ван Гоге це вище родинних почуттів і соціальних забобонів. Не вагаючись, він рве на корпию останню сорочку, бо треба перев'язати рани потерпілого шахтаря, ділить дах і хліб з дітьми повії, з зорі і до зорі, сонце і дощ гне спину над папером, як орач над плугом, по краплях віддаючи кров своїх картин і малюнків, ніколи нічого не вимагаючи для самого себе.

Як трагічно не сходилося його уявлення про красу з поняттям заможного міщанина! “Немає нічого більш художнього, ніж любити дітей!" Це вистражданий "в суворих випробуваннях убогістю" - девіз Ван Гога у обивателя всіх часів, здатний вичавити лише криву посмішку. Естетика Ван Гога - дітище іншого світу. Його "прекрасне" пахне землею, стиглим хлібом, потім селянина, вітром з простертых під небом полів “неосяжних, як море", воно крутиться людським теплом і добротою в самих грубих і некрасивих осіб.

Естетична ідея Ван Гога не терпить абстрагованості. Краса бачиться йому жінкою: "які її прагнення". “Кохати і бути коханою, жити і давати життя, оновлювати її, плекати, підтримувати, працювати, відповідаючи запалом на запал, і, найголовніше, бути доброю, корисною, на щось годитися, хоча б, наприклад, на те, щоб розпалити вогонь у вогнищі, дати шматок хліба дитині і склянку води хворому. Але ж все це теж дуже красиво і піднесено! Так, але вона не знає цих слів. Її міркування не дуже ... блискучі, не надто вишукані, зате почуття завжди справжні". Втілення цій "дійсності" настійно вимагало адекватної по силі і виразності живописної системи. Для всякого, кому є що сказати, пошуки засобів, як це зробити - питання життя. Проблема пленеру ніколи не була б вирішена, якби імпресіоністи не перенесли своє ательє прямо на вулицю, в поле, в ліс або човен, якщо б не викинули зі своєї живопису сірі, коричневі та чорні фарби, якщо б не испещрили поверхня своїх полотен вібруючою сіткою дрібних барвистих мазків, тобто, якщо б не створили принципово нову систему образотворчих засобів. У Ван Гога все було інакше: "Я хочу, щоб краса прийшла не від матеріалу, а від мене самого". Будь імпресіоністів - насамперед спостерігач, гострий, тонкий, чуйний, але завжди сприймає об'єкт як би з боку. Для Ван Гога “боротьба груди з грудьми, боротьба з речами в природі" - нагальна необхідність. Звідси своєрідна неповторність його бачення і манери.

 

Яскраві фарби Ван Гога.

 

Мріючи про братерство художників і колективній творчості, він зовсім забував про те, що сам був невиправним індивідуалістом, непримиренним до стриманості у питаннях життя і мистецтва. Але в цьому була і його сила. Потрібно мати достатньо тренований очей, щоб відрізнити картини Моне від полотен, наприклад, Сіслея. Але лише одного разу побачивши “Червоні виноградники", вже ні з ким і ніколи робіт Ван Гога не сплутаєш. Кожна лінія і мазок - виразники його особистості.

 

Красные виноградники

“Червоні виноградники",1888 р.

 

Домінанта імпресіоністичної системи - колір. В мальовничій системі, манері Ван Гога всі рівноправно і зім'яте в один неповторний яскравий ансамбль: ритм, колір, фактура, лінія, форма.

На перший погляд, у цьому є деяка натяжка. Хіба помыкают нечуваним за інтенсивності кольором "червоні виноградники", хіба не активний дзвінкий акорд синього кобальту в "Море в Сен-Марі", хіба не сліпуче чисті і звучны фарби "Пейзаж в Овере після дощу", поруч з якої, будь-яка імпресіоністична картина виглядає безнадійно бляклої?

Перебільшено яскравим ці фарби мають здатність звучати в будь інтонації на всій протяжності емоційного діапазону - від гострий біль до найніжніших відтінків радості. Звучні фарби те сплітаються в ніжно і тонко сгармонированную мелодію, то вздыбливаются в різальному слух дисонансі. Подібно до того, як у музиці існує мінорний і мажорний лад, так і фарби Вангоговской палітри поділені надвоє. Для Ван Гога холодне і тепле - як життя і смерть. На чолі протиборчих таборів - жовте і синє, обидва кольори - глибоко символічні. Втім, у цього "символізму" така ж жива плоть, як і у Вангоговского ідеалу прекрасного.

У жовтій фарбі від ніжно лимонної до інтенсивно помаранчевої Ван Гог бачив якесь світле начало. Колір сонця і дозрілого хліба в його розумінні був кольором радості, сонячного тепла, людської доброти, доброзичливості, любові і щастя - всього того, що в його розумінні включалося в поняття "життя". Протилежний за змістом синій від блакитного до майже чорно-свинцевого - колір смутку, нескінченності, туги, відчаю, душевної муки, фатальною неминучості та, зрештою, смерть. Пізні картини Ван Гога - арена зіткнення саме цих двох фарб. Вони - як боротьба добра і зла, денного світла і нічного сутінку, надії та відчаю. Емоційні і психологічні можливості колориту - предмет постійних роздумів Ван Гога: “Я сподіваюся зробити в цій області відкриття, наприклад, висловити почуття двох закоханих поєднанням двох додаткових кольорів, їх змішуванням та протиставленням, таємничої вібрацією споріднених тонів. Або висловити зародилася в мозку думка сяйвом світлого тону на темному тлі...".

Говорячи про Ван Гоге, Тугендхольд зауважив: “...ноти його переживань - графічні ритми речей і відповідних биття серця". Поняття спокою невідомо Вангоговскому мистецтва. Його стихія - рух.

В очах Ван Гога воно - та ж життя, а значить, здатність мислити, відчувати, співпереживати. Вдивіться в живопис "червоних виноградників". Мазки, кинуті на полотно стрімкої рукою, біжать, несуться, стикаються, знову розбігаються. Схожі на рисочки, крапки, плями, коми, вони - стенограма Вангоговского бачення. З їх каскадів і вирів народжуються спрощені і виразні форми. Вони є лінія, составляющаяся в малюнок. Їх рельєф ледь намічений, то громоздившийся масивними згустками, - як переорані земля, утворює чудову, живописну фактуру. А з усього цього виникає величезний в масштабі спосіб: розпеченому спеці сонця, як грішники у вогні, в'ються виноградні лози, намагаючись відірватися від гладкої фіолетовою землі, вирватися з рук виноградарів, і ось вже мирна суєта збору врожаю виглядає як сутичка людини з природою.

Так, значить, все-таки домінує колір? Але хіба ці фарби не є в теж час і ритм, і лінія, і форма, і фактура? Саме в цьому найважливіша особливість живописної мови Ван Гога, на якому він говорить з нами через свої картини.

Часто вважають, що ван-гогівська живопис є якась некерована емоційна стихія, подхлестнутая неприборканим осяянням. Цій помилці "допомагає" своєрідність художньої манери Ван Гога, дійсно, уявній як би спонтанної, на ділі ж тонко розрахованої, продуманою: “Робота і тверезий розрахунок, розум надзвичайно напружений, як у актора при виконанні важкої ролі, коли доводиться думати про тисячі речей протягом одного півгодини...."

 

Життя за роботу.

 

Ван Гог був надзвичайно багатий творчо: його "марнотратство" зламала йому особисте життя, понівечила фізично, але не духовно. Він помер у тридцять сім років не тому, що йому вже не було говорити, а тому, що не хотів віддати своє мистецтво хвороби. “Я заплатив життям за свою роботу, і вона коштувала мені половини мого розуму".

Його останні роботи іноді стрясає відчай, іноді холодне і сковуюче, але частіше изливающееся жагою буття, пронизливої до болі. "Пейзаж в Овере після дощу" зовні мирний і милостивий, продиктований саме цим станом художника. Яскраво виблискує відмита дощем зелень. За мокрій дорозі мчить кінь, запряжений у віз. Весело димить біжить далеко по рейках поїзд. Серед грядок працює, зігнувши спину, селянин. Все було б майже идилличным, якби не шалений ритм мазків довгих і як би корчащихся, змушують прямокутники городів стикатися таким чином, що простір картини ставати як би вздыбившимся і напруженим. Ще секунда, і весь цей яскравий, сяючий світ виявиться підірваним зсередини клокочущей де-то в його надрах страшною руйнівною силою.

 

“В тисячі мук - я є, в тортурам кочусь - але є!...Сонце бачу, а не бачу сонця, то знаю, що воно є. А знати, що є сонце - це вже вся життя". Ці рядки Достоєвського міг би написати і Ван Гог.

 

 

Література:

 

Перрюшо А. "Життя Ван-Гога" 1997

Дмитрієва Н. А. "Вінсент Ван Гог: нарис життя і творчості"

Роберт Уоллэйс "Світ Ван Гога"1998

Фотографії взяті з "Internet" http://www.vangoghgallery.com/index.html